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Esta nueva exposición de arte le permite probar las pinturas

Esta nueva exposición de arte le permite probar las pinturas


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Estos chicos crearán arte usando los cinco sentidos, pero ¿y si la pintura necesita más sal?

Principalmente, experimentamos el arte visualmente. La exhibición ocasional de arte moderno nos permitirá escuchar y tocar varias instalaciones, pero ¿qué pasaría si pudiéramos experimentar el arte con los cinco sentidos, incluido el gusto? Esta es la pregunta planteada por Tate Britain, un museo de arte en Londres, que estrenará una nueva exhibición llamada Tate Sensorium, abriendo en el otoño de este año. Le permitirá ver, oír, tocar, oler e incluso saborear las exhibiciones.

La naturaleza exacta de las exhibiciones se mantiene en secreto, pero si se está imaginando a personas lamiendo pinturas de bodegones y saliendo con el sabor de las manzanas y los plátanos, (desafortunadamente) dudamos de que ese sea el caso. En lugar de, según Quartz, el museo utilizará nueva tecnología interactiva para medir cómo cambian nuestras reacciones al arte cuando se activan nuestros diversos sentidos.

"Todo es un poco experimental, pero esa es también la razón por la que los científicos están realmente interesados ​​en participar, porque en realidad estaremos haciendo muchas mediciones sobre cómo reacciona la gente a todo", Tom Pursey, de Flying Object, la agencia creativa detrás de exposición, dijo Quartz. "Y desde un punto de vista artístico ... si podemos complementar tu experiencia visual con estos otros cuatro sentidos de una manera significativa, entonces tal vez podamos cambiar cómo te sientes sobre el arte".

La exhibición trabaja en conjunto con nuevos estudios que sugieren que ninguno de nuestros sentidos funciona de forma aislada. Los restaurantes también están tomando nota de esta investigación: Heston Blumenthal’s El pato gordo, por ejemplo, sirve uno de sus platos con un iPod para mejorar la experiencia.


Pinturas del artista Mitchell Johnson se exhibirán en Pamela Walsh Gallery

En lo que el artista de Menlo Park Mitchell Johnson describe como una & # 8220mayor exposición & # 8221, la Galería Pamela Walsh en Palo Alto presenta Continuo de color: obras seleccionadas 1988-2021 del 15 de mayo al 26 de junio. La recepción de apertura es de 4:00 a 6:00 pm el sábado 15 de mayo. La Galería está ubicada en 540 Ramona St.

& # 8220Hay muchas pinturas anteriores más pequeñas para construir el contexto de cómo llegué a las grandes pinturas, & # 8221 Mitchell. & # 8220Algunos se toman prestados de colecciones privadas. Algunos van a museos. Y algunos están a la venta. & # 8221

Los años de formación de Mitchell como pintor se formaron en Parsons, donde recibió su MFA en 1990. En ese momento, Parsons todavía estaba lleno de muchos de los exalumnos de Hans Hofmann: Paul Resika, Larry Rivers, Jane Freilicher, Leland Bell, Neil Blaine y Robert. DeNiro, Sr. Nueva York fue un terreno fértil para un pintor joven, y Mitchell aprendió de todos estos artistas.

Entre Parsons, los museos de Nueva York y pequeños trabajos para Frank Stella y Sol LeWitt, Mitchell comenzó a desarrollar su práctica artística y a encontrar su voz como pintor. Sus primeros trabajos van desde composiciones y figuras puramente abstractas hasta paisajes representativos impregnados de tradiciones europeas.

En el otoño de 1990, la vida de Mitchell cambió radicalmente de rumbo cuando le ofrecieron un trabajo como asistente de estudio de Sam Francis en Palo Alto. Dejó Nueva York hacia la costa oeste y descubrió la seductora luz de California. El cambio de escenario se hizo evidente de inmediato en su obra. En los 90, Mitchell se hizo conocido por los paisajes pictóricos expresionistas de California y las escenas bucólicas de Europa.

A principios de la década de 2000, el trabajo de Mitchell experimentó otro cambio distintivo a medida que sus composiciones se convirtieron en
más destilado y abstraído. Continuamente enfatiza el momento decisivo cuando visitó una exposición de Josef Albers en 2005 en el museo Giorgio Morandi en Bolonia, que cristalizó conceptos con los que ya estaba experimentando en su propio trabajo.

Brenda Danilowitz, curadora en jefe de la Fundación Albers lo resumió mejor: “[Mitchell] reconoció que algo extraordinario ocurrió cuando estos dos camaradas inverosímiles en el arte se enfrentaron. El resultado resuena en el trabajo de Johnson de las últimas dos décadas: el color y la forma dispuestos de manera precisa y meticulosa se enfrentan entre sí de maneras sorprendentes y llamativas ". Como artista que ya estaba emocionado por las posibilidades inherentes al color y la forma, encontró una inspiración duradera en la yuxtaposición de estos artistas que eran maestros en ambos.

Comenzó a entremezclar formas geométricas grandes y áreas planas de color en sus paisajes urbanos de Nueva York y San Francisco, y más tarde en sus paisajes de playa en Cape Cod. Utilizando puntos de vista familiares como andamiaje, examinó la interacción entre el contexto del color (la variedad y cómo un tono se relaciona con otro) y el contexto de la forma.

En la actualidad, trabaja en un gran estudio lleno de luz que le permite profundizar en su exploración de los colores con luz natural y trabajar en lienzos a gran escala. Sus pinturas más recientes son imágenes brillantes, audaces y representativas de Cape Cod, Nueva York, California, Europa y abstracciones geométricas coloridas.

& # 8220 De 345 Stockton, & # 8221 2021 20 & # 21528 pulgadas óleo / lienzo. Pintado en el invierno de 2021. Imagen cortesía de Pamela Walsh Gallery Fotografía de Mitchell Johnson cortesía del artista


Arte (nuevos horizontes)

Las piezas de arte son pinturas y esculturas que se pueden comprar en el Treasure Trawler de Jolly Redd y donar al museo, siempre que no estén falsificadas. La donación de la primera pieza al museo permitirá a Blathers ampliar el museo, lo que requiere un día de construcción.

En Nuevos horizontes, las piezas genuinas y forjadas se ven diferentes, lo que permite al jugador identificarlas antes de comprarlas. Son 14 piezas que son siempre genuinas, pero la mayoría tienen una versión forjada.

Ocasionalmente, los aldeanos varones pueden enviarle una obra de arte a un residente. Los aldeanos Jock y Lazy pueden enviar cualquier obra de arte, que puede ser real o falsa. Los aldeanos malhumorados pueden enviar esculturas, que pueden ser reales o falsas. Los aldeanos presumidos solo enviarán piezas falsas al jugador. & # 911 & # 93 Las aldeanas, independientemente de su personalidad, no enviarán arte al jugador.

El arte forjado no se puede vender en Nook's Cranny y deberá entregarse a un aldeano o tirarse a la basura para deshacerse de él.

El Treasure Trawler de Jolly Redd tiene cuatro espacios para el arte, cada uno de los cuales permite exhibir diferentes tipos de arte. La ranura trasera izquierda puede contener cualquier pintura, la ranura delantera izquierda puede contener pinturas pequeñas, solo la ranura central trasera puede contener pinturas pequeñas o esculturas pequeñas y la ranura trasera derecha puede contener cualquier obra de arte. Como esta es la única ranura que puede contener esculturas grandes, son considerablemente más raras que otras obras de arte.

Cada vez que Redd visita, hay un 20% de posibilidades de que una obra de arte no donada al museo del jugador se vea obligada a aparecer.


Esta nueva exposición de arte le permite probar las pinturas: recetas

Algunos visitantes del Museo de Arte Crocker en Sacramento simplemente no pueden ayudarse a sí mismos cuando se enfrentan a las deliciosas y atractivas filas de pasteles plateados. Se han visto dedos deslizando el merengue del empaste, por lo que ahora una capa imperceptible de plexiglás protege la icónica pintura de 1961. Tartas, tartas, tartas por el renombrado y querido artista Wayne Thiebaud, que vive cerca.

La pintura es una de las 100 obras de Thiebaud comisariadas por Crocker en una exposición que marca el centenario de Thiebaud & # 8217 a principios de este mes. Ver la pintura en persona hace que la formación de hielo sea una & # 8220 rima objetiva & # 8221 para la cosa real. Thiebaud literalmente bate la pintura al óleo como si fuera un glaseado antes de aplicarla. & # 8220 Quieres tocar los pasteles, & # 8221 dice Scott Shields, director asociado y curador en jefe del museo. & # 8220Son & # 8217 son táctiles y se ven sabrosos. & # 8221

Los pasteles son representativos de la obra de Thiebaud a lo largo de sus décadas de trabajo, ha pintado todo tipo de postres, así como paisajes, paisajes urbanos, retratos y payasos. Es conocido por sus representaciones nostálgicas y serias de objetos cotidianos, a menudo representados con un ingenio seco. Su trabajo se encuentra en las colecciones del Smithsonian, así como en el MOMA, el Whitney, el SF MOMA y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, entre otros. & # 8220A pesar de su éxito comercial, Thiebaud sigue superando los límites & # 8221, dice Virginia Mecklenburg, curadora principal de arte del siglo XX en el Smithsonian American Art Museum.

/> Wayne Thiebaud, Sandía y cuchillo, 1989. Pastel sobre papel. (Museo de Arte Crocker, regalo de la familia del artista, 1995.9.30. & # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Pajaritas, 1993. Litografía en color trabajada a mano con pastel. (Museo de Arte Crocker, regalo de la familia del artista, 1995.9.38. & # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY) /> Wayne Thiebaud, Cremes de Boston, 1962. Óleo sobre lienzo. (Compra del Crocker Art Museum, 1964.22. & # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY)

La semana pasada, el Crocker cerró por un período de tiempo indeterminado debido a las restricciones de salud pública implementadas debido a la pandemia de Covid-19. Toda la delicia de Thiebaud espera dulcemente en las paredes. Es lamentable, porque así como entrar en una panadería para inhalar el aroma embriagador del azúcar y el pan caliente mejora el acto de comer, ver a Thiebaud & # 8217s merengue v & # 233rit & # 233 en persona proporciona una experiencia que no puede & # 8217t ser replicada por una impresión bidimensional. Mientras tanto, sin embargo, Crocker permite a los visitantes en línea navegar por cada imagen de la exhibición y ha ofrecido un recorrido virtual por Shields en YouTube.

El propio Thiebaud vio la exposición unos días antes de la inauguración de la muestra a mediados de octubre. & # 8220Él entró y lo bendijo, & # 8221 dice Shields. & # 8220Todos prometimos permanecer a 20 pies de distancia de él. & # 8221 A pesar de su fama y los millones de dólares que sus pinturas obtienen en una subasta, Thiebaud presenta los pies en la tierra y la modestia. En una entrevista, dice que de las más de 500 tarjetas de cumpleaños y cartas que le enviaron, & # 8220 obtuvimos un montón de ellas. Estaba muy agradecido por la gente que hacía eso. Nunca siento que lo merezco. & # 8221

¿Y cómo pasó su centenario? & # 8220 Me quedé en pijama y bata de baño y no hice nada excepto recibir llamadas telefónicas agradables de la gente. & # 8221

A los 100 años, Thiebaud se mantiene activo, jugando al tenis varias veces a la semana. & # 8220Es & # 8217 un tenis bastante lento, pero lo disfrutamos & # 8221, dice. & # 8220 Salimos con muchos otros viejos y jugamos dobles. & # 8221 Todavía conduce durante el día, y acaba de renovar su licencia por un año más. En la carretera, ve autos con la placa especial que diseñó, que muestra la puesta de sol en el Pacífico con una hilera de palmeras a lo largo de la costa. Las ventas desde 1993 han recaudado $ 25 millones para el California Arts Council. Thiebaud se ríe cuando se le pregunta si su coche tiene placa. & # 8220No, & # 8221 dice. & # 8220I & # 8217d estaría avergonzado. & # 8221

Una matrícula con la obra de arte de Thiebaud. (Cortesía del Consejo de las Artes de California)

Lo más importante es que pinta casi todos los días. & # 8220 La mayoría de los pintores serios pintan todo el tiempo. Tienes que pintar mucho para conseguir tan poco & # 8221, dice.

& # 8220 Pintar es algo muy, muy difícil de hacer, y tenemos la suerte de estar en una comunidad de pintores a lo largo de la historia. Por supuesto, son magos y trabajadores milagrosos. & # 8221

En 1962, el propietario de la galería de Nueva York, Allan Stone, lanzó la carrera de Thiebaud ofreciéndole una exposición individual, y aunque a menudo se considera a Thiebaud como parte del movimiento de arte pop de la década de los 60, su trabajo de postres lo precedió. & # 8220Wayne es un pintor ante todo, pero aunque se opone a estar asociado con el movimiento Pop Art, también estuvo en la planta baja para lanzarlo & # 8221, dice Mecklenburg. & # 8220 Estuvo en la primera muestra de Pop Art, y fue su trabajo el que en muchos aspectos definió el movimiento porque celebraba los objetos ordinarios de la vida cotidiana. & # 8221

Thiebaud en su estudio de Sacramento en 1987. (Matt Bult) Sargento Wayne Thiebaud pintando en un avión B-29 en California en 1944 (documentos de Wayne Thiebaud, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution) Thiebaud bocetos en la colección de Archives of American Art. (Documentos de Wayne Thiebaud, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution)

Thiebaud rechaza ser catalogado como artista pop porque es un formalista, explica Shields, un estilo artístico obsesionado con la geometría y la forma. Por ejemplo, sus famosas máquinas de chicles funcionan como círculos dentro de un círculo transparente más grande. Y mientras Andy Warhol y otros producían en masa su trabajo, Thiebaud trabajaba en cada pieza, su mano aparente en cada una. Incluso el espacio entre los objetos es atendido: & # 8220 El espacio vacío es tan importante y animado como su tema, & # 8221 dice Shields, & # 8220 y a veces más. & # 8221

Después de cortar su gusto por los postres, Thiebaud se trasladó a las vistas de las calles de San Francisco en la década de & # 821770, influenciado por paisajes urbanos similares del artista amigo Richard Diebenkorn & # 8217. Estas piezas transmiten una intensa verticalidad, con calles empinadas que se despliegan como pergaminos. Por ejemplo, la perspectiva en Calle y sombra 1982-83, 1996, dice Shields, & # 8220 es imposible y, sin embargo, parece posible. & # 8221

Otros trabajos de la exposición Crocker incluyen retratos que parecen naturalezas muertas con humanos en lugar de frutas, y paisajes del delta de Sacramento que juegan con el mirador, como la inclusión de árboles vistos de lado y desde arriba en la misma obra.

Wayne Thiebaud, Calle y sombra, 1982 & # 82111983/1996. Óleo sobre lino. (Museo de Arte Crocker, regalo de la familia del artista, 1996.3. & # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Park Place, 1995. Grabado a color trabajado a mano con acuarela, gouache, lápiz de color, grafito y pastel. (Museo de Arte Crocker, regalo de la familia del artista, 1995.9.50. & # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY) /> Wayne Thiebaud, Granja del Valle, 1993. Aguafuerte y aguatinta en color Softground trabajado a mano con lápiz de color. (Museo de Arte Crocker, regalo de la familia del artista, 1995.9.51. & # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY)

Su talento fue evidente desde un niño que creció en el sur de California y Utah. Disney lo contrató como dibujante cuando tenía 16 años. Cogiste tus dibujos y si pensaban que eras razonablemente bueno, "llegarías a ser un intermediario", dice, un trabajo que implicaba trazar la misma imagen sobre un tablero de luces una y otra vez, cambiando solo las extremidades o el rostro. Expresiones Fue despedido por participar en una huelga laboral y 84 años después reflexiona que, & # 8220 Amo el movimiento sindical, & # 8217 ha hecho tanto por Estados Unidos. Caminé unas cuatro o cinco líneas de piquete a lo largo de los años. & # 8221

También trabajó como artista comercial y pintor de carteles para empresas como Sears Roebuck y Rexall Drugs. & # 8220Alguien le enseñó a trazar una línea con confianza, & # 8221 dice Shields, refiriéndose a las líneas horizontales rectas que a menudo bisecan el trabajo de Thiebaud. En 1942, se alistó en la Fuerza Aérea y dibujó una tira cómica para el boletín informativo de su base, además de diseñar carteles, producir películas para levantar la moral y más. De 1951 a 1976, enseñó pintura en Sacramento City College y en la Universidad de California, Davis, que según él ha sido & # 8220 enormemente importante & # 8221 en su vida. Algunos estudiantes a los que fue mentor ganaron su propia fama, como Mel Ramos y Fritz Scholder. & # 8220 Quería convertirme en artista comercial e ilustrador, así que lo perseguí hasta que me interesé en lo que ellos llaman bellas artes y enseñanza, de modo que & # 8217 es la forma en que pasé la mayor parte de mi vida & # 8221, dice Thiebaud.

/> Wayne Thiebaud, Payaso con pelo rojo, 2015. Óleo sobre tabla, 30 x 23 cm. Colección privada. (& # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artist & # 8217s Rights Society (ARS), NY.)

A partir de 2014, la atención de Thiebaud # 8217 se centró en los payasos, volviendo a los recuerdos de la infancia que todavía recuerda vívidamente. & # 8220 Cuando yo era solo un niño, de unos 13, 14 años, solíamos ir a ver el circo llegar a la ciudad en el tren, y si teníamos suerte, nos dejaban ayudar a llevar aserrín o agua para los elefantes, & # 8220 # 8221 recuerda. & # 8220 Vimos a los payasos, que eran personas increíbles. No solo eran acróbatas, malabaristas y volteadores, eran los responsables de armar la carpa, por lo que eran muy fuertes y muy impresionantes, y eso se me quedó grabado, supongo, para siempre. & # 8221

& # 8220 Los payasos son cosas increíblemente complejas & # 8221, señala Mecklenburg. & # 8220Bozo te hace reír cuando & # 8217 eres un niño, pero ellos & # 8217 también son fundamentalmente intérpretes de identidad y personalidad. No tenemos ni idea de quién está detrás de todo ese maquillaje aplicado artificialmente y esa nariz bulbosa. Por ejemplo, en Thiebaud & # 8217s 2017 pintura Payaso con maleta, un hombre disfraza su identidad de payaso con ropa de calle, de pie con seriedad sombría mientras su maleta transmite en las letras más grandes posibles, la palabra & # 8220Bozo. & # 8221

Muchas de sus pinturas contienen elementos diminutos, a menudo cómicos, que recompensan un escrutinio minucioso. & # 8220Quieres mirar cuidadosamente las pinturas para que realmente puedas entender de qué se tratan & # 8217 & # 8221, dice Thiebaud. & # 8220 Desafortunadamente, debido a la estructura del museo y así sucesivamente, la gente tiene poco tiempo para mirar, a menudo solo unos segundos y continúan, donde las personas que aman las pinturas pasan tanto como horas mirando una sola pintura y se desarrolla como película, como una película. & # 8221

Quizás esa sea la razón por la que Thiebaud sigue jugando con piezas. En Betty Jean Thiebaud y Book, La segunda esposa de Thiebaud & # 8217 se apoya en un codo, aparentemente aburrida por el libro de arte que tiene frente a ella. Pero Shields dice que el libro no estaba originalmente allí. & # 8220 Thiebaud cambia las pinturas, algunas pueden tener hasta cinco fechas diferentes. Los modifica durante un período de incluso una década. & # 8221

Hay cuatro fechas en Falda Tapiz que muestra a Betty Jean con una falda elaboradamente estampada: 1976, & # 821782, & # 821783, 2003 & # 8212 y Shields incluso piensa en 2020. & # 8220 Creo que agregó algo de amarillo en el borde del torso & # 8221, dice. Betty Jean, cineasta y profesora que apareció en muchos de los retratos de Thiebaud & # 8217, murió en 2015.

/> Wayne Thiebaud, Betty Jean Thiebaud y libro, 1965 & # 82111969. Óleo sobre lienzo. (Museo de Arte Crocker, obsequio del Sr. y la Sra. Wayne Thiebaud, 21 de 1969 y # 169 2020 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY)

Cuando le pregunto a Thiebaud si & # 8217 haría algo diferente, responde & # 8220 probablemente muchas cosas. La idea es ponerte a prueba, esforzarte, arriesgarte a hacer incluso malos cuadros, o cuadros que no crees que le gustarán a nadie. Es algo personal y maravilloso que hacer, y desearía que más personas lo hicieran. & # 8221

En cuanto a la exposición que reúne 100 piezas para celebrar los 100 años de Thiebaud & # 8217, su impacto es innegable. & # 8220 Una persona entró y llamó a las pinturas & # 8216life-afirmando & # 8217 & # 8221 dijo Shields. & # 8220 Pensé que era una buena manera de pensar en ellos. & # 8221

"Wayne Thiebaud 100: Paintings, Prints and Drawings" estará disponible en Crocker hasta el 3 de enero de 2021, después de lo cual viajará a Toledo, Ohio Memphis, Tennessee San Antonio, Texas y Chadds Ford, Pennsylvania.


Toque la obra de arte: la nueva exhibición de Tate estimulará los cinco sentidos

'In the Hold' de David Bomberg c.1913-4

Kelly Crow

¿Qué se siente al degustar un cuadro de Francis Bacon? Pista: nada como tocino.

En un esfuerzo por atraer a un público inquieto y conocedor de la tecnología, los museos de arte utilizan cada vez más métodos poco convencionales para involucrar a los amantes del arte en sus colecciones. El Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York ha empleado tecnología de crowdsourcing para organizar una muestra de videos de YouTube. El Museo de Brooklyn y Performa, un festival de arte escénico de Nueva York, han contratado a la artista gastronómica Jennifer Rubell para crear obras de arte comestibles, incluida una habitación parecida a una celda cuyas paredes rellenó con fajos de algodón de azúcar rosa. Actualmente, la National Gallery of Art de Londres reproduce música compuesta por artistas sonoros inspirados en ciertas pinturas de su colección.

El 26 de agosto, la Tate Britain en Londres llevará estos experimentos aún más lejos con "Tate Sensorium", una exhibición que combinará un cuarteto de importantes pinturas británicas de Bacon, Richard Hamilton, David Bomberg y John Latham con aparatos que estimulan los cinco sentidos. utilizando inhaladores de perfume, altavoces ocultos, masticables a base de chocolate y vibraciones ultrasónicas.

"La gente suele pensar en las colecciones como hileras de pinturas realmente antiguas", dijo Tony Guillan, productor multimedia de Tate, "pero la tecnología nos permite ser más divertidos".

Los visitantes que entren en la primera galería que muestra el collage de 1964 de Richard Hamilton, "Interior II", serán alentados por el personal del museo a mirar, pero también a oler. El collage de Hamilton muestra a una mujer elegante de pie en una casa con suelos de madera y un televisor. Sin embargo, grandes franjas del lienzo permanecen sin pintar y la pantalla del televisor muestra el asesinato de Kennedy. Para reforzar la vida doméstica inconclusa de Hamilton, el museo ha colocado difusores de fragancias alrededor de la habitación que emiten olores que evocan la laca para el cabello vintage de la mujer, los productos de limpieza y el tenue olor a pegamento de estudio de arte.


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Tecnología moderna y el arte de conservar pinturas

Este es el segundo de una serie de artículos sobre el arte de la conservación de pinturas. Lea el primero aquí.

Es un trapero, un hombre que se ganaba la vida hurgando en la basura en las calles de París en la década de 1860 en busca de trapos para venderlos a los fabricantes de papel. Su imagen de 6 pies por 4 pies fue pintada por Édouard Manet y hoy es una parte querida de la colección del Museo Norton Simon en Pasadena, California. Pero Le Chiffonnier, o El trapero tiene una historia de conservación del arte moderno que contar que incluye la ciencia y la tecnología de la química, la ingeniería, los materiales, la física y la luz, además de miles de hisopos de algodón, que llevaron la pintura a una nueva luz.

El gran problema fue un trabajo de barniz inadecuado. En el momento en que Manet pintó El trapero era costumbre aplicar un barniz de resina natural sobre las pinturas para agregar un acabado brillante. Incluso el de 500 años Mona Lisa había aplicado barnices sobre la pintura de da Vinci. Pero en algún lugar de la vida de El trapero, se había aplicado un barniz sintético grueso, o varios de ellos, para iluminar la pintura y hacerla más atractiva.

The Ragpicker antes del tratamiento. © El Museo J. Paul Getty.

Pero los barnices cambian de color a medida que envejecen y con los años la pintura había adquirido una niebla que ocultaba la técnica pictórica de Manet junto con los colores y detalles. En 2017, Norton Simon trabajó con el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles para conservar El trapero como parte de un proyecto de renovación de tres pinturas de Manet. El trapero estaba en la peor forma. Se necesitarían seis meses de examen detallado utilizando una variedad de tecnologías para descubrir cuáles eran los problemas y decidir un proceso apropiado para conservar la pintura, seguidos de seis meses más para hacer el trabajo de conservación. Además, se encontraron secretos ocultos en la pintura.

Devi Ormond, Conservadora Asociada de Pintura del Museo Getty, formó parte del equipo de los Museos Norton Simon y Getty que asumió la tarea de conservar la pintura en problemas. Se interesó por las superficies de los cuadros cuando tenía siete años cuando un guardia de seguridad del Louvre le dijo que no tocara un cuadro de Van Gogh. Cuando era adolescente, quedó fascinada con un documental sobre la restauración de la Capilla Sixtina pensando "qué trabajo increíble sería trabajar con superficies tan de cerca y recibir un pago por ello".

La primera herramienta tecnológica utilizada en Norton Simon fue una lámpara de flash de luz negra ultravioleta (UV) que es similar a las que se usan en las escenas del crimen para buscar pistas como salpicaduras de sangre. No se encontró sangre, pero lo que vio el equipo sugirió que el barniz superior era muy espeso y creaba problemas potenciales con respecto a la pintura original. Eso fue suficiente evidencia para enviar El trapero al Departamento de Conservación de Pinturas de Getty para un examen técnico profesional utilizando varios tipos de iluminación y pruebas.

/> La prueba de muestra de pintura muestra la mezcla de barniz con la pintura original (los puntos negros) y la estructura de la capa. Se toma con luz ultravioleta y tiene un aumento de x100. © El Museo J. Paul Getty.

“Como dicen, una imagen vale más que mil palabras”, dijo Ormond. “Alguien en Francia que mire esta pintura y luego mire la imagen UV podrá interpretar los problemas sin ninguna barrera del idioma. Por ejemplo, bajo luz ultravioleta, diferentes barnices fluorescen de manera diferente. Los barnices naturales brillan en verde y los barnices sintéticos en azul. Pudimos ver que la fluorescencia azul del barniz sintético era un problema ". Luego, la pintura fue examinada con luz infrarroja que mostró algunos de los daños antiguos y los retoques realizados por restauradores anteriores.

La siguiente prueba fue una radiografía que ayudó a comprender la pintura y la composición de Manet, incluidas las cosas que cambió u ocultó. Por ejemplo, la naturaleza muerta en la parte inferior de la pintura era originalmente más grande y Manet pintó las secciones con una pintura marrón grisácea. El bastón que sostiene el trapero es vertical, pero la radiografía mostró que originalmente estaba pintado en un ángulo más diagonal. Además, había marcas negras en la cara del trapero que indicaban pintura más fina. Según Ormond, esto es típico de Manet, ya que a menudo hacía cambios raspando la pintura seca.

“Todas estas técnicas nos dan una idea de la condición de la pintura, lo que significa que no se queda ciego antes de comenzar a tratar la pintura, sino que está informado sobre la condición de la obra”, dijo Ormond.

Pero necesitaban profundizar para comprender y probar la solubilidad de los barnices. Del borde de la pintura se tomó una muestra casi microscópica de los barnices y la pintura y se examinó con una resolución de 500x. Esta pequeña muestra mostró las capas de barnices y pintura y descubrió la mezcla del barniz con las partículas de pintura originales. A medida que cambian los materiales de los artistas, también cambia su naturaleza. Aunque originalmente tenían una textura suave, cuando los solventes en la pintura se secan, lo hacen a diferentes velocidades y niveles y pueden agrietarse microscópicamente (o más). Esa es una abertura para que los barnices se asienten profundamente en la pintura.

El Ragpicker bajo rayos X que muestra los cambios de personal y bodegones. © El Museo J. Paul Getty.

"Es como cortar un pastel, vemos todas las capas de la pintura", dijo Ormond. "Vimos la fluorescencia azul del barniz y cómo entra en las capas de pintura y vimos las partículas de los pigmentos, pequeños puntos negros, que nos dieron una indicación de qué tan profundo penetraban los barnices en la pintura".

De las pruebas se decidió que eliminar completamente el barniz también eliminaría la pintura original y el daño El trapero debido a la interacción pintura / barniz. El objetivo era diluir el barniz lo suficiente para exponer el trabajo de la brocha, rellenar los viejos daños y retocarlos.

Ahora llegan los disolventes modernos que son la herramienta para eliminar los barnices que decoloran y ocultan los trazos de pintura y la pintura original. Ormond hizo una serie de combinaciones de disolventes y realizó pruebas con hisopos de algodón para establecer la solubilidad del revestimiento de la superficie. Probó áreas pequeñas en el borde de la pintura, pero también en las secciones principales debido a la diferente solubilidad de los colores de pintura y cómo responden a los solventes.

Detalle de la parte superior del cuadro tomada con luz ultravioleta mostrando el barniz diluido en la esquina superior derecha. © El Museo J. Paul Getty.

“Vale la pena hacer pruebas sobre el fondo, los colores más oscuros, los colores más claros, los azules, los amarillos, los verdes. . . por lo que está haciendo pequeñas pruebas para obtener una buena visión general ", dijo Ormond. "Una vez que estableces el solvente y encuentras algo que esté quitando el recubrimiento de la superficie sin dañar la capa de pintura, comienzas a limpiar usando pequeños hisopos y sumergiéndolo en el solvente y aplicándolo con mucho cuidado sobre la superficie hasta que comience a quitar el barniz".

Incluso los hisopos de algodón son una ciencia. El material del hisopo es algodón puro y los conservadores extraen un trozo de una toba y lo giran alrededor del extremo de un palo largo de madera. Al hacer ellos mismos los hisopos, conocen el contenido de la lana y eliminan las posibilidades de materiales como la arena o pequeños trozos de madera en el algodón que podrían rayar la superficie. Cada hisopo se usa para aproximadamente ½ pulgada de la pintura y aquí es donde la experiencia del conservador se hace cargo.

"La experiencia es enorme en la limpieza", dijo Ormond. “Los conservadores deben comprender la cantidad de barniz que hay, la facilidad con la que se disuelve el barniz. . . cómo se está comportando el hisopo, comprenda con la mano la sensación de la superficie que cambia a medida que aplica el solvente, evaluando su hisopo para eliminar el barniz rápida o lentamente, incluso evaluando si se está atascando en el barniz ”.

Ormond tardó seis meses en quitar la primera capa de barniz utilizando miles de hisopos y lupas para ver los detalles. Al centrarse en los detalles minuciosos, a menudo tenía que dar un paso atrás y mirar lo que su trabajo le estaba haciendo a la pintura. Por toda la ciencia involucrada, El trapero es una pintura, no un objeto científico.

"Quieres tener la cohesión de la imagen que fue originalmente pintada por el artista", dijo Ormond. “My mentor’s key advice was ‘do not ever forget what it is that you are working on. It’s a painting’. . . Even though you want to get a pristine surface, it’s not worth damaging any original paint to get that.”

The Ragpicker in ultra violet light. © The J. Paul Getty Museum.

It was a challenging process where Ormond worked closely with the Scientists at the Getty Conservation institute to fully understand what had happened to the painting. Along with carefully thinning the old varnish, she also had to work around or repair past conservation techniques that did not have the advantage of current technology.

Today’s modern technology was a literal lifesaver for The Ragpicker. Many paintings have suffered from past conservation attempts. Por ejemplo, el Mona Lisa had a spirits wash in 1809 that is now believed to have removed the top layer of paint, and over time the layers of varnish have given the painting a darker tone. Current conservation is involved around monitoring the painting’s environment to save La Joconde from any more damage.

But once finished, The Ragpicker took on a new life that honours Manet’s painting, his style and his original colours. It required today’s conservation technology and experts like Ormond and the team at the Getty and the Norton Simon to do the work that brings back as much light as possible to Manet’s ragpicker image.

See The Ragpicker at the Norton Simon Museum when it reopens mid-May.


Postponed due to Covid-19, Yoshitomo Nara’s I Forgot Their Names and Often Can’t Remember Their Faces but Remember Their Voices Well will debut at Dallas Contemporary on March 20. A leader of the Superflat movement, Nara traveled to Texas to install a monumental museum show — his first museum solo in the state — at the Design District museum. The exhibit will be on display until August 22.

(For more on the exhibit, see PaperCity‘s exclusive interview with Dallas Contemporary adjunct curator Pedro Alonzo.)

Explore 󈨔s fashion at Galleria Dallas’ newest art exhibit “She’s Got the Look: Fashion from the 󈨔s.” (Courtesy of Galleria Dallas)

'It's not about shock value': Russian artist skins, eats and performs sex acts on dead animals in the name of art

Petr Davydtchenko stands on a balcony overlooking the Umbrian countryside and deftly skins and dismembers a dead cat. He is in Italy for the opening of his solo exhibition Millennium Worm at the Palazzo Lucarini Contemporary in Trevi.

For the past three years, the Russian artist has been living exclusively off roadkill in an attempt to pursue a “semi-autonomous and non-governed way of life”.

Davydtchenko presents his gruesome art practice mainly through video installations. One film shows an owl lying on the side of a road unable to move, another features Davydtchenko picking up a dead rat off the ground and devouring it raw.

Animal hides are also on show in his exhibition, stretched over geometric sculptures or laid out on the floor. Alongside these is a stack of boxes, meant to represent the archive that Davydtchenko keeps at The Foundry in Maubourget, France—an artists’ residence run by the art organisation a/political, and where Dyavydtchenko has been living since 2016.

In his archive Davydtchenko preserves and stores animal parts in freezers, some of which he later thaws and eats. He also keeps a digital archive of the time, condition and GPS locations of his roadside findings, along with texts such as cooking recipes and preparation techniques. These recordings, he says, function as a diary which charts his transformation over the three years since he began living “parallel to modernity”.

"I just wanted to show that it was possible to exist alternatively, and to show that there are other options", Davydtchenko says. His work grew out of an interest in cryptocurrencies, which he saw as an alternative to mainstream economic systems.

Davydtchenko says that he does not live entirely “off-the-grid”, and uses modern technology to document his journey and importantly, relies on the destruction created by modern machinery to produce the roadkill that he feeds on.

Becky Haghpanah-Sherwin, the director of a/political, says the project was not necessarily created with the intention of being shown as an exhibition. "The Foundry", she says, “is a place of experimentation away from the art market that Petr used as a space to transition into a way of life. Nevertheless, it is often visited by people in the art world, who take interest in Petr’s work”.

Davydtchenko says his work is not performance art. “This is how I live, I eat cats where I live, now having been invited to Italy, I eat cats here. This is my way of existing.”

Not all the roadkill Davydtchenko finds is used to sustain his life, however. One six-minute video in the exhibition contains footage of the artist repeatedly inserting his penis into a dead fox’s mouth, in the corner of the frame is the Fox News logo.

The exhibition’s curator Maurizio Coccia says he is not "interested in shock value”, nor is Davydtchenko. The use of each animal has a symbolic meaning, he says, and Davytchenko’s actions in this video “relate to capitalism and media censorship, to the deepest and darkest roots of the human species”.

At the exhibition opening, Davydtchenko offered visitors a taste of a porcupine that he has slow-cooked, and whose hide and quills are displayed in one of the Palazzo Lucarini's rooms. He hopes his next project will be a pop-up restaurant serving roadkill to the public.

The greatest challenge of his practice is not the isolation of this “parallel world”—he prefers existing somewhat separated from society—but readjusting into the “big world” for events like this exhibition opening, Davydtchenko says.

Opening a restaurant will naturally mean inviting crowds of people back into his life, but Petr wants to stay hidden in the kitchen, focusing on his goal of achieving “three Michelin stars for cooking donkey penis”.


Umm, Prince Charles Is an Artist𠅊nd His Paintings Are Surprisingly Impressive

Considering ourselves (somewhat) experts of the royal family, we&rsquod like to believe we know all there is to know about the talents each family member possesses: Meghan Markle and her calligraphy skills, Kate Middleton as an amateur photographer, Queen Elizabeth is an accomplished equestrian. But it turns out that Prince Charles is full of surprises.

Not only does he play the cello, but we just learned that the Prince of Wales is also quite a skilled painter. According to a recent Clarance House Instagram Story, the 71-year-old royal is an &ldquoexperienced watercolorist.&rdquo This news doesn't come as a huge surprise, considering he is Patron of the Arts.

As it turns out, it was Charles's childhood &ldquosurrounded by art&rdquo that sparked his passion for painting. He draws inspiration from natural landscapes across the U.K., as well as from his travels abroad, often painting sceneries of places he has visited. His favorite thing to paint, however, is the surrounding areas of Queen Elizabeth&rsquos Balmoral estate.

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In fact, a handful of his pieces have even been put on display in the Drawings Gallery of Windsor Castle since his first exhibition in 1977.

Per Insider, he also made more than $2.5 million from the sales of copies of his watercolors from 1997 to 2016, making him one of the country's best-selling living artists. Of course, all of the profits are donated to The Prince of Wales's Charitable Fund.

To see some of Charles&rsquos most famous paintings (and a shot of the prince in action), visit here.


Ver el vídeo: EXPOSICIÓN DE ARTE VIRTUAL (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Chace

    Bebés el grado más alto !!!

  2. Hernandez

    No lo sé aquí y digo esto, puedes

  3. Ion

    Hay algo en esto y una buena idea, estoy de acuerdo contigo.



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